Ideato dall’artista Giuseppe Leone, è un osservatorio sull’arte visiva che, attraverso gli scritti di critici ed operatori culturali, vuole offrire una lettura di quel che accade nel mondo dell’arte avanzando proposte e svolgendo indagini e analisi di rilievo nazionale e internazionale.

di Ilaria Sabatino

Iniziamo con analizzare la parola Fotogiornalismo precisandone il significato: fare informazione, cioè raccogliere, valutare e diffondere le notizie favorendo come mezzo espressivo la fotografia.
In Italia il fotoreporter non ha pieno riconoscimento come fotogiornalista ed è indubbio che la professione stia modificandosi in modo efficace. Sicuramente il giornalista dell’immagine o telereporter continua a stare là dove avvengono i fatti più drammatici, coinvolgenti e interessanti per il pubblico. È un testimone diretto delle notizie che dà, che trasmette attraverso le sue fotografie, Mario Laporta è un fotoreporter, uno di quelli che ha fatto la storia del reportage napoletano. Fondatore dell’Agenzia foto giornalistica Controluce ed oggi socio dell’Associazione Kontrolab, che è uno dei maggiori punti di riferimento a Napoli e nel Meridione d’Italia, per testate giornalistiche nazionali ed internazionali.
Attualmente docente di fotogiornalismo all’Accademia di Belle Arti di Napoli, ai cui ragazzi insegna di essere sempre curiosi e coerenti nei loro lavori. La fotografia non deve essere solo un mezzo di trasmissione, ma deve far riflettere chi la guarda, deve essere una testimonianza! Questo ci raccontano le fotografie e i reportage di Mario Laporta, un fotografo che ha saputo descrivere in modo univoco fatti di guerra, cronache, backstage di mostre, le tradizioni popolari etc. Oggi parleremo con lui non solo dell’importanza del fotogiornalismo e di come trasmetterlo ai giovani, ma anche della funzione primaria degli archivi fotografici del sud.

Fondatore nel 1991 dell’agenzia Controluce e oggi socio fondatore di Kontrolab Service. Cos’è per te il fotogiornalismo?
È un sacro fuoco che mi ha assalito negli anni dell’adolescenza, guardando in televisione e sui giornali le foto e i filmati della guerra del Vietnam, dei grandi conflitti sociali, delle cronache degli avvenimenti dei decenni ’60 e ’70, l’assassinio di Bob Kennedy, il corpo di Che Guevara, le rivolte sudamericane e i colpi di stato, poi le Olimpiadi, i disastri ambientali, i terremoti e tutte le notizie internazionali che in quegli anni i maestri del giornalismo e del fotogiornalismo ci portavano in casa e che io, dal 1973 già assistente fotografo di cerimonie, desideravo di poter seguire e documentare per farle conoscere e farle leggere a coloro che erano lontani e aspettavano le cronache dai fronti e dal centro della notizia.
Fotogiornalismo è curiosità, oggettività, coerenza e affidabilità che deve coniugarsi con la costanza e l’assoluta abnegazione per la notizia, che comporta la valigia sempre pronta per partire alla sua ricerca e quindi l’annullamento di programmi personali preorganizzati. Se si dovesse essere pronti per 15 giorni di vacanze su di una spiaggia, pronti con la valigia sul nastro check-in all’aeroporto, e all’improvviso, arrivasse una chiamata per una eruzione improvvisa di un vulcano, sicuramente il check-in si sposterebbe e quella valigia si imbarcherebbe su di un altro aereo, quello diretto nelle immediate vicinanze del vulcano, tanto la spiaggia sarebbe sempre li ad aspettare…il vulcano no. Come vedi, fotogiornalismo è sacrificio, ma nello stesso tempo è una delle professioni più belle del mondo, una di quelle che ti da l’opportunità di incontrare persone meravigliose e di avere esperienze difficilmente realizzabili con altre attività, sono stato sparato su aerei da una portaerei, ho volato in elicotteri, mongolfiere, sono stato su sottomarini, mi sono seduto in una Formula1 ho visto tesori inestimabili e ho conosciuto la natura più selvaggia che si è espressa in tutta la sua potenza con eruzioni, valanghe di fango e tramonti meravigliosi. È una professione totalizzante.

Docente all’Accademia di Belle Arti di Napoli. Cosa diresti ai giovani che si avvicinano al fotogiornalismo?
Praticatelo, sempre, siate curiosi, siate coerenti e fate si che le vostre foto facciano riflettere. Siate disposti a dare molto per una professione che vi restituirà tutto quello che sacrificherete per essa. Tanti dicono che il fotogiornalismo è morto, non è vero, il fotogiornalismo siete voi, con la vostra curiosità e con la vostra voglia di capire e documentare la notizia, l’avvenimento, la storia. Quella che è morta, in alcuni paesi come l’Italia, è l’editoria fotogiornalistica, non certo il fotogiornalismo e i fotogiornalisti. Fin quando essi ci saranno, allora si potrà sempre sperare che l’editoria fotogiornalistica in Italia rinasca, come pian piano stiamo vedendo in questi ultimi anni, dove si rivede crescere, almeno sul web, la giusta attenzione che merita.

Autore di molte fotografie, che hanno segnato passaggi importanti nella tua vita. Quali ricordi in modo particolare?
Tutte, non ho fotografie a cui sono più legato, sono a tutte particolarmente legato, hanno segnato i momenti di tutta la mia vita, camminano tutte con me. Dalle prime, sui circuiti di Formula1 passando per Berlino, dove mi trovavo il giorno della caduta del Muro, alla nave Vlora, che arrivò a Bari con 12000 Albanesi che scappavano dalla loro terra, poi il Nicaragua, il Medio Oriente, la Palestina, Israele, le portaerei nell’Adriatico durante la guerra di Bosnia, il Kosovo, l’Afghanistan, l’Iraq, e poi i flussi migratori, l’Etna, lo Stromboli, Sarno, Scaletta Zanclea, il fuoco che distrusse il Gargano, L’Aquila, Amatrice, ma anche i meravigliosi centenari di Acciaroli e del Cilento, le tradizioni popolari del meridione italiano gli archivi storici e i Musei di Napoli e del Sud Italia, gli scavi archeologici, gli artisti e le artiste che ho fotografato insieme alle loro opere e tutto il bello che questa società ancora ci regala e ci fa documentare.

Testimone attraverso le foto di periodi che hanno sconvolto il vivere quotidiano delle persone. Cosa pensi del periodo che stiamo vivendo?
E’ uno dei più incredibili, stiamo fronteggiando una minaccia che non si vede, imprigionati dal minuscolo, annichiliti da ciò che è una delle più infinitesimali forme presenti sul pianeta, questo ci sconvolge, ci ha cambiati e credo non certo in meglio, dopo un primo momento solidale e unitario, il tempo ha fatto scattare le regole della sopravvivenza umana, che è la peggiore del mondo animale, perché è quella basata non sullo spirito di gruppo e di salvaguardia della specie, ma si basa sulla sopraffazione dell’uno sull’altro e dell’annientamento del soggetto più debole, non perché sia debole e quindi non funzionale alla specie, ma perché è più semplice da abbattere e depredare. Molti lo hanno accomunato ai periodi di guerra, con il lessico militare e trovando analogie nel combattimento del virus, ma credo sia la più grande mistificazione possibile. Chi afferma questo seduto davanti ad una tastiera di un computer o steso su di un divano, meriterebbe di essere mandato in una zona di guerra vera. Si cerca e si giustifica questo paragone e questo linguaggio proprio per dare senso alle nefandezze che cominciano a registrarsi e confermare quelle nefandezze di cui ho parlato prima, prevaricazioni, furberie, prepotenze, disonestà. Siamo perfettamente in tempo per fermare questi comportamenti, dobbiamo solo ricordare che oltre alle vaccinazioni cui ci stiamo sottoponendo, abbiamo le vaccinazioni di buon senso che ci accompagneranno sempre, per fortuna.

Cosa mi puoi dire riguardo gli archivi fotografici al Sud?
Sottostimati, poco utilizzati, poco gratificati, poco premiati, poco storicizzati, poco riconosciuti. Gli archivi del sud conservano e detengono nelle loro immagini una parte importantissima della storia d’Italia. Antichi e di pregio, non sono stai mai valorizzati nel loro vero merito, tra i quali, quello di aver documentato una realtà rurale, contadina e di tradizioni popolari che in altre parti d’Italia non era presente. Questo gap spero si colmi al più presto. Molto si sta facendo per organizzare una riflessione che crei delle strutture che raccolgano e preparino alla sistemazione questa miniera dalla quale si potrà ancora più precisamente capire il passato per non perderlo e per non perdere le basi per i tempi a venire. Costruire questi momenti credo sia il compito che ci vedrà impegnati noi tutti e su questo credo che sia giusto ci si concentri per il prossimo futuro.

Napoli Global Forum, 17 Marzo 2001, manifestazione anti-global, ph Mario Laporta

in foto portaerei americane durante l’operazione No Flight Zone nell’Adriatico, ph Mario Laporta

in foto Ayrton Senna ph Mario Laporta

in foto Afghan men collect coal from a truck at a Red Cross distribution in the capital Kabul, February 11, 2002. The Red Cross handed out coal and blankets to see the poorest in the city through the harsh winter.
REUTERS/Mario Laporta

in foto A Berlino ph Mario Laporta

di Ilaria Sabatino

La pittura un linguaggio sempre in evoluzione, ma legato ai suoi canoni primari a cui tutti. o quasi, gli artisti fanno riferimento. L’artista Guglielmo Longobardo, ex docente dell’Accademia di Belle Arti di Napoli, portavoce di una pittura informale e riflessiva, il cui sguardo si rapporta ad una pittura di avanguardia preferendo, però, una pittura tradizionale. Un’arte accurata, profonda, colta, sensibile e individuale: un modo di dipingere diretto e incondizionato, usando delle tonalità equilibrate, trasmette una sorta di “armonia visiva”. Non parleremo solo di pittura, ma soffermeremo la nostra attenzione sulle trasformazioni che in questi anni sta vivendo il comparto Afam e che l’artista Longobardo ha vissuto in prima persona.

Artista del secondo 900, portavoce di una pittura informale e riflessiva. Cos’è cambiato oggi nella pittura? Come si pone il suo linguaggio?
Prima di rispondere, vorrei ricordare il maestro Armando De Stefano, un maestro della cultura napoletana, protagonista dal dopoguerra ad oggi, protagonista altresì della cultura italiana ed europea! Era un uomo da un carisma straordinario sia come docente all’Accademia sia come pittore, un’intelligenza raffinata, colta, sapeva ascoltare. Personalmente io devo molto al maestro De Stefano, tantissimi motivi di riconoscenza e di gratitudine, perciò ritengo doveroso ricordarlo in questo momento. Ritornando alla domanda, a mio parere, la pittura informale, quella degli anni cinquanta, è stata superata da un informale più analitico, più di contenuti, rispetto al gesto e all’istinto, per fare un esempio, alla Jackson Pollock o alla Emilio Vedova. Per quanto mi riguarda ho sempre cercato di dare alla mia voglia, anche istintiva, di indagare la materia, il colore, il segno, sempre con dei contenuti, una maggiore razionalità. Il gesto fine a se stesso, non è che non mi è interessato molto, ma ho sempre cercato di trovare un giusto equilibrio tra ragione e sentimento.
Oggi cosa è cambiato? È cambiato, che ognuno, continua a fare quello che ritiene di saper fare! Diciamo che i paradigmi, gli schemi della pittura tradizionale rimangono un po’ quelli là, la pittura figurativa, naturalistica, astratta, informale e neo informale. Io sono rimasto legato alla pittura tradizionale e del resto non poteva che essere così, essendomi formato negli anni sessanta e settanta.

Che ricordi ha dei suoi anni in Accademia?
Riguardo l’Accademia, posso dire, che ho attraversato tutto il suo processo di trasformazione. Proprio in questi giorni ho rivisto il mio diploma, che ha tre voti: decorazione, incisione e storia dell’arte. Erano i primissimi anni settanta ed anche in seguito alle contestazioni studentesche, c’era questo clima di rinnovamento, ed io mi sono trovato assistente a Catanzaro, a fare i conti con un’Accademia che cresceva sia nei numeri delle iscrizioni, perché non era più la scuola sconosciuta, ma cominciava a mutare aspetto, perché giustamente si riteneva che anche chi dipingeva, lo scultore, il pittore, lo scenografo, doveva avere un bagaglio culturale adeguato. Quindi ci fu l’inserimento nei piani di studio di una serie di materie, che allora si chiamavano corsi complementari. Col passare degli anni, in effetti, che cosa è successo, che è aumentata questa idea di Accademia/Università, con piani di studio sempre più complessi, con esami sempre più frequenti, con tante materie che hanno tolto spazio fisico e mentale alla platea studentesca, rispetto ai tempi miei di studente. Quando facevo io l’insegnante non c’erano più gli spazi a disposizione per i ragazzi, ma erano anche gli spazi mentali che mancavano, perché esami in continuazione, occorreva studiare, poi le frequenze, le lezioni. Quindi passava un po’ in secondo ordine il fare, il prodotto, e secondo me, non si è tenuto conto che bisognava non fare un contenitore di tutto, ma a suo tempo proposi una cosa che si avvicinava un po’ come idea alla facoltà di Lettere classiche e Lettere moderne. Pensavo ad un Accademia, con due indirizzi, uno più tradizionale che dava più spazio alle tecniche, al fare, al prodotto, al manufatto e un’altro, invece, più sperimentale, più colto da un punto di vista del bagaglio culturale necessario agli studenti, agli operatori artistici. Questo non è avvenuto, quindi si è tentato e si è cercato in ogni modo di tenere tutto insieme, la moda con la pittura, con la scultura e quindi si è fatto un po’ di confusione. Pertanto non so il risultato dal punto di vista del prodotto, a livello qualitativo a che punto siamo, non essendo più in Accademia da una decina di anni, da quando sono andato in pensione. Sempre in quel periodo con Ninì Sgambati, un collega dell’Accademia, pensavamo di evitare questa corsa di trasformare l’Accademia in Università, riflettevamo, ognuno a modo suo naturalmente, che bisognava mantenere l’Accademia in questo ambito, un po’ anomalo, un po’ particolare, nel quale spazio, nel quale luogo, praticamente dovevano esserci ragazzi, studenti motivati.
Perché fare dell’Accademia una scuola di massa? A mio parere, non so cosa possa significare, non ci possono essere migliaia di artisti all’anno, che poi fanno la professione. Ritenevo, che in qualche modo bisognava salvaguardare questo ambito un po’ più anomalo, particolare, di una scuola che non è una scuola, ma un luogo dove si coltivano le proprie passioni, i propri sogni, il luogo dell’esistenzialismo più impegnativo, dal punto di vista del fare le cose. Per tale motivo, ripeto, era importante in primis, stabilire un indirizzo di sperimentazione e di contemporaneità e salvaguardare nello stesso tempo un po’ quelli che, sono diventati adesso i rami secchi, la pittura, la scultura, cioè il fare, il manufatto, il dipingere, il disegnare. Non dico che bisognava tenere le cose come negli anni cinquanta, ma seguire meglio tutto il processo di trasformazione, con più attenzione, senza creare un contenitore indefinito, in cui c’è tutto. Bisognava, forse, salvaguardare e negli spazi fisici e negli spazi mentali, coloro che avevano la voglia, l’esigenza, la necessità di tentare quella strada lì, dell’artista, del pittore, dello scultore. In ogni caso, non è neanche tutto sbagliato quello che è successo, non vorrei essere estremamente critico, ma ho avvertito tutto ciò in prima persona, avendo girato un po’ l’Italia. Sono stato a Urbino, a Bologna, a Catanzaro, a Foggia, a Napoli, e vissuto questa metamorfosi dell’Accademia, che alla fine, penso, abbia un po’ snaturato quello che era l’originaria idea di luogo delle arti, in cui si formavano gli artisti, una bottega nella quale i ragazzi potevano cogliere gli aspetti più interessanti del maestro oppure tra di loro confrontarsi. Invece, ad un tratto, si parlava solo di esami, ricordo negli ultimi anni di insegnamento, tutti i problemi erano gli esami, il voto, invece, prima c’era una competizione sul manufatto. Ai miei tempi la discriminante era se sapeva o non sapeva fare, se era bravo o non, ci si soffermava sul prodotto, era quello che ti dava un’identità non il voto.

Come sta vivendo da artista questo momento?
Penso che per un’artista, uno come me, un pensionato artista, cambia poco o niente, nel senso che stai tre o quattro ore nel tuo studio e non corri, diciamo, alcun rischio, in definitiva è cambiato ben poco. Ho avuto anche un’esperienza di positività asintomatica uscendone brillantemente! Il fatto è che non ci sono mostre, non ci sono occasioni di incontri importanti, in alcune gallerie, dato il momento, e a cui personalmente avrei evitato di presenziare, essendo, anche, un pittore molto riservato. Comunque il mio lavoro sta andando avanti, sto lavorando, pertanto da un punto di vista professionale è cambiato poco o niente. Il mio pensiero riguarda i giovani, l’economia, il momento che stiamo attraversando è molto difficile e complesso.

in foto Guglielmo Longobardo (ph Fabio Donato)

“Prova colore” 2008, di Guglielmo Longobardo